纽约佳士得外景及入口处

　　纽约时间2018年5月8日晚，世纪拍卖——“佩吉及大卫·洛克菲勒夫妇系列珍藏”将正式举槌，这位传奇家族第三代掌门人几处豪宅中的艺术品悉数上拍，1550件拍品亮相。“这场拍卖对于亚洲最大的意义，不仅仅是看到一个家族是如何收藏艺术品，更得是看到一个家族对于财富是如何传承的，以及他们如何去影响一个国家，甚至是整个社会。”佳士得拍卖亚洲区总裁魏蔚女士对雅昌艺术网说到。在纽约佳士得的预展现场，藏品涵盖19及20世纪艺术、美洲艺术、欧洲家具瓷器及装饰艺术、亚洲艺术等各个板块，从墙上的艺术品，到收藏的瓷器、佛像、装饰品，甚至日常用的沙发、椅子、吊灯、餐具等等。从5月8日起，两场晚拍和四场日拍，加上数量庞大的线上拍品，我们得以窥见大卫·洛克菲勒的艺术品位和这个家族的日常生活。

晚拍预展出口处即是马蒂斯的《侧卧的宫娥与玉兰花》

莫奈和马奈的作品

毕加索的《持花篮的女孩》在醒目的位置

米罗的三幅壁画 与格里斯、莫兰迪以及毕加索的作品放在一起

雷诺阿、毕沙罗等人的作品

西涅克、博纳尔、高更的作品

中间为德拉克罗瓦的《虎戏龟》

佳士得预展一层的装饰艺术品 吊灯还有中国八仙的纹样

詹姆士·佳士得拍卖厅的布展效果

大卫·洛克菲勒夫妇拥有很多鸟类的装饰品

洛克菲勒家族的装饰及日常用品

洛克菲勒家族的欧洲瓷器

预展三层展厅内的水禽类装饰品

预展三层的佛像艺术拍品

　　纽约佳士得用了三层展厅，才得以呈现佩吉和大卫·洛克菲勒夫妇藏品的整体风貌。大厅第一层，主要是两个晚拍的重要作品，“19及20世纪艺术晚拍”则是重中之重。这件44个标的的夜场，堪称大卫·洛克菲勒收藏的经典，这批作品大多购藏于20世纪50年代至60年代购买，历经半个世纪的沉淀，这部分作品也成为大卫夫妇藏品的“质量和审美的标准”，他自豪地谈到，“我们最早购买的一些作品如今的标价已经是我们当初支付价格的100倍以上……虽然我们从来没有从投资的角度考虑来购买画作，但我们的艺术收藏品已经成为我最有价值的资产之一。”

　　受到母亲艾比(MoMA联合创始人之一)的影响，大卫·洛克菲勒夫妇对现代艺术情有独钟，这个夜场拍品中，既有毕加索“玫瑰时期”的经典作品《持花篮的女孩》，也有或将打破马蒂斯个人拍场记录的《宫娥与玉兰花》，还有莫奈经典的《睡莲》，雷诺阿、高更、毕沙罗、修拉、西涅克、格里斯、博纳尔、米罗……这些现代大师的经典作品也都现身，全球藏家云集，会诞生哪些拍场记录，又会花落谁家?

　　无论怎样，都将创造这个美国第一家族的艺术传奇。

　　那就让我们一起欣赏一下首场晚拍的经典作品：

　　巴布罗·毕加索 (1881-1973) 《苹果》

　　估价：USD 1,000,000 - USD 1,500,000

　　水粉 水彩 纸本 5 3/8 x 7 吋(13.5 x 17.7公分)

　　1914年作

　　这是毕加索为格特鲁德·斯坦因(Gertrude Stein)和她的伙伴爱丽丝·托克拉斯(Alice B. Toklas)创作的圣诞礼物。两人此前经历了一段困境，格特鲁德与哥哥利奥决裂。起初，从1903年秋天起，两人就一起住在巴黎Fleurus街27号，那里有他们兄妹数量庞大的印象派和现代绘画收藏品。

　　两人的分道扬镳，也暴露出他们在收藏趣味上的差异，利奥继续偏爱雷诺阿和马蒂斯，而格特鲁德则成为毕加索和立体派绘画的狂热爱好者。在分割藏品上，两人没有争执，只有一幅塞尚的五个苹果的静物，这是他们是1907年在Galerie Bernheim-Jeune买的作品，双方都拒绝放弃。利奥告诉他的妹妹，“塞尚的苹果对我来说是独一无二的，没有任何东西可以替代。”最终格特鲁德放弃了那张作品。

　　为了安慰格特鲁德，毕加索画了一张单独的苹果静物送给她。“别担心，格特鲁德，我马上就给你画一幅塞尚的画。几个小时后，他回来了，给她带来了一幅苹果静物。”在毕加索的立体派绘画的过渡阶段，这幅画显得特殊。毕加索立体主义时期的水果静物往往被压平，这幅苹果作品不同，恢复了它的圆润、自然和完整性。它混合了各种风格的艺术语言，对塞尚的深刻理解曾一度帮助毕加索分析和解构物体，从而形成了立体派。这幅作品中，塞尚的身影以另一种方式出现在毕加索笔下。

　　胡安·格里斯 (1887-1927) 《音乐家的桌子》

　　估价待询

　　油彩 水粉 彩色蜡笔 炭笔 纸拼贴 画布

　　31 1/4 x 23 3/4 吋(82 x 60.5公分)

　　1914年5月作

　　1913年12月至1914年10月间，格里斯在画布上尝试一种新颖的混合手法，他广泛地使用了油画、水粉画等媒介，采用拼贴等多种方式。这张巴黎完成的《音乐家的桌子》重组了许多重要的图形元素。

　　这幅画完成于第一次世界大战开始之前，是对立体主义发展的一个标志性的贡献，是其巅峰之作。这些作品被誉为艺术家作品的顶峰。作品采用V形构图，由印刷和平面切割的纸片组成，拼贴在黑色矩形上方和周围，以勾画桌面。音乐家的小提琴如同浮雕一般，白色的瓶子巧妙地展示出玻璃的三维体积感，仿佛黑暗的房间里，一束孤独的光洒在桌面上。

　　德拉克罗瓦 《虎戏龟》

　　估价：USD 7,000,000 - USD 10,000,000

　　油彩 画布 17 ¾ x 24 ½ in. (45.1 x 62.2 cm.)

　　1862年作

　　法国浪漫主义运动的先驱德拉克罗瓦领导了一场反对保守主义的革命，开创了新古典主义风格，在绘画中融入了更彻底的现代美学。对于德拉克罗瓦来说，描述野生动物可以充分发挥他的浪漫想象力，艺术家似乎对大型猫科动物有特殊的迷恋。

　　这幅《虎戏龟》诞生在艺术家生命的最后几年，比这些早期的暴力作品更加个人化和内省。强大的捕食者和一个更弱小的物种的相遇。乌龟在老虎的爪下，杀手本能让人感到困惑和好奇，这只野兽似乎在思考。远景的表达有些抽象特点，以流畅、迅速的和谐色彩，形成了大地、山脉和天空的宽阔边界，在落日的映衬下，呈现出淡淡的粉红色。

　　让•巴蒂斯特•卡米耶•柯罗《威尼斯(斯拉夫人堤岸的风景)》

　　估价：USD 8,000,000 - USD 12,000,000

　　油画 画布 18 ¾ x 32 ¼ in. (47.6 x 81.9 cm.)

　　1845年作

　　柯罗在1828年和1834年两次威尼斯之行后，都在巴黎的工作室创作了系列风景作品，这幅画是第二次从威尼斯归来后作品中的一幅。在参观了教堂和宫殿之后，他向最喜欢的大师提香致敬，特别注意到描绘空气的透明度、光影的表达，以及大运河的水所反射出的令人愉悦的色彩，充满了令人愉快的氛围。

　　这幅是柯罗同期五幅作品之一，柯罗对建筑的细致描绘很不寻常的，他的风景画往往是抒情和富于表现力。这幅作品描绘的是在威尼斯的瑞瓦·德格利·夏沃尼(Quai des Esclavons)的景色，主体是由圣马可广场(Piazzetta)沿着大运河向东延伸的宽路堤，远处左边是圣玛利亚教堂，建筑中心附近的两根中世纪的花岗石柱，象征着圣马可以及城市的守护圣·西奥多。

　　保罗·高更 (1848-1903)《海浪》

　　估价待询

　　油彩 画布 23 3/4 x 28 5/8 吋(60.2 x 72.6公分)

　　1888年8月至10月作

　　在布列塔尼的第二次逗留期间，高更创作了这幅作品。在Le Pouldu的小渔村，高更从一处陡峭陡峭的悬崖上发现，这里是Portguerrec小溪向大海延伸的地方，巨大的黑色岩石在北大西洋海浪中显得突出。从画面的角度看，高更只能在退潮时进入，他可能会画一两张草图，快速回到旅店继续创作。“我喜欢住在布列塔尼，在这里，我发现了一种原始的品质，”高更在1888年2月写给他的画家朋友克劳德-埃米尔·舒弗涅克谈到，“当我的木鞋在花岗岩的地面上回响时，我听到了正在寻找的沉闷、柔和、有力的声音。”

　　高更把普通的沙色海滩涂成了一种绚丽的、完全不自然的朱红色。他对色彩的感觉日益独特，其中红色的存在似乎使艺术家从粘土中创造出了血肉，仿佛大图母体中热情跳动的生命血液。作品表现的空间是扁平、没有地平线的状态，平面向观众倾斜，垂直于画面元素的构成。在这些图片中使用红色既不符合，也不来源于任何观察到的自然现象。这种颜色投射出一种具有启发性的意识和理解的状态，在这种状态中，一种震撼的、来自内部的火山力量将物质转化为一种超然的精神状态。

　　高更对日本浮世绘的迷恋，似乎也影响到他的作品，作品的标题很可能取自葛饰北斋的《神奈川的冲浪里》。在《海浪》模糊的体验中，观众不是凝视着典型的广阔的景观，而是一种垂直深度的眩晕感，这种心理效应就像是窥视自己内心深处。

　　爱德华·马奈 (1832-1883) 《丁香与玫瑰》

　　估价：USD 7,000,000 - USD 10,000,000

　　油彩 画布 12 3/4 x 9 3/4 吋(32.4 x 24.7公分)

　　1882年作

　　在生命的最后6个月里，51岁的马奈将他剩余的创作精力投入到一系列的静物画中，每一个都比以前更加美丽动人。这幅画描绘的是朋友们为他巴黎公寓买的花束——两朵艳丽的玫瑰和几朵淡紫的丁香，排列在低矮的水晶花瓶里。花朵生命力的鼎盛时期，以一种极其微妙的触感呈现出来，是一种精致的、新鲜的、即兴的视觉盛宴。“在这些作品中，他达到了画家所希望的完全的简单和完美，”乔治·马纳尔写道。“有了这些最后的花，马奈以最有说服力的方式向我们展示他的信仰。”

　　亨利·马蒂斯 (1869-1954)

　　《侧卧的宫娥与玉兰花》

　　油彩 画布 23 3/4 x 31 7/8 吋(60.5 x 81.1公分)

　　1923年作于尼斯

　　作为马蒂斯迁居尼斯后新风格走向成熟的标志，《侧卧的宫娥与玉兰花》在完成半年后，便被马蒂斯送到了法国秋季沙龙展(d’Automne Salon)参展，并大受好评。他的经销商Josse和Gaston Bernheim-Jeune于1923年12月17日在沙龙闭幕后的第二天购买了这幅画。此后几经辗转，在1958年被热衷马蒂斯精品的大卫·洛克菲勒收藏，并在1993年MOMA的马蒂斯回顾展等重要展览中都有亮相。

　　“《侧卧的宫娥与玉兰花》创作于1923年，艺术风格和人们熟知的马蒂斯在20世纪初的“野兽派”风格已有许多不同。马蒂斯野兽派时期的颜色风格非常主观、鲜艳刺激，他可能会把绿色的树画成紫红色，土地画成蓝色，画面也比较平面。而在1920年代到尼斯以后，他作品中的色彩不再那么高强度和激烈对比，更多像一种协奏曲。”谭波认为：“对于马蒂斯来说，他的艺术理想是让人感到愉悦放松，这幅作品也符合他的艺术理念。”

　　克劳德·莫奈 (1840-1926) 《绽放的睡莲》

　　油彩 画布 63 3/8 x 71 1/8 吋 (160.9 x 180.8 公分)

　　约1914至1917年作

　　在职业生涯的最后20年里，莫奈一心一意在吉维尼乡村的家中设计和栽培著名的睡莲池。在一幅又一幅非凡的油画中，他捕捉到了水、反射、大气和光线之间不断变化的关系，这些关系改变了池塘表面的每一个瞬间。虽然这些标志性的画作肯定了莫奈长期以来对视觉和经验的主导地位的信念，但他们用一种写实的语言，即使以新世纪的标准来看，也完全是新奇的、具有变革性的。

　　曾经，莫奈的作品展出时，早期的作品——更精致，更轻盈，更有节制——立即得到了好评。与之相反，而这些更大胆、更个人化的作品当时并未引起人们的重视。后来，莫奈的儿子将这批作品出售，MoMA的首任馆长阿尔弗雷德看到这些作品之后，意识到这批作品与抽象艺术的联系。于是阿尔弗雷德为纽约现代艺术博物馆买下一幅大型《睡莲》，并展示在显著位置。他还推荐大卫夫妇去巴黎的画廊，那次巴黎之行，让大卫买下两幅睡莲，“其中一幅画是在傍晚时分画的，里面的水是深紫色的，而百合则是白色的，我们马上就买了。”大卫·洛克菲勒回忆道。1961年在纽约又买下第三张，对于当时的房间来说，这些作品尺幅巨大，但大卫还是在哈德逊松林大宅的楼梯口，找到合适的悬挂位置。

　　克劳德·莫奈 (1840-1926) 《拉瓦古的塞纳-马恩省河风景》

　　估价：USD 8,000,000 - USD 12,000,000

　　油彩 画布 23 5/8 x 32 1/8 吋(60.2 x 81.5公分)

　　1879年作

　　莫奈在小村Vetheuil度过了田园诗般的三年，也是他作品的决定性时刻。他完全放弃了现代生活，开始采用新的表达方式，为后期最重要的作品奠定了基础。在这幅画中，晨光从艺术家身后进入画面，在轻柔的潺潺流水中翩翩起舞，照亮了房屋的外墙;蔚蓝的天空和微风习习，预示着一个完美的夏日。河水填满了画布的整个前景，只有几片芦苇，暗示着莫奈站在河岸上的沼泽地带。

　　这个场景的自然美，一定是艺术家生命中特别痛苦的时期的一种安慰。

　　卡密尔·毕沙罗 (1830-1903) 《有白杨树的风景(埃拉尼的阴天)》

　　估价 USD 3,000,000 - USD 5,000,000

　　油彩 画布 32 x 25 5/8 吋(81.2 x 65公分)

　　1899年作

　　1899年6月，皮萨罗在巴黎参加了冬春两季的画展后，回到了埃尔拉尼(Eragny)，这是他的家，也是他艺术创作的主要灵感来源。19世纪后期，机械化的浪潮已经改变了乡村的格局，但毕沙罗在作品中往往描绘了田园牧歌般的乡村景象，农民们用手而不是用犁，在整个农业周期中需要持续的照料，其中大部分是由家庭妇女承担的。这幅作品中，毕沙罗描绘了两位妇女采摘蔬菜——很可能是豌豆，以及旁边的卷心菜或生菜。一人弯曲，另一人伸展，仿佛在田园乡村中舞蹈。它们只占据了组成部分的一个小角落，与高大的树木相比，她们是自然景观不可或缺的组成部分，表明了毕沙罗笔端乡村生活的健康和活力。

　　巴布罗·毕加索 (1881-1973) 《拿着花篮的女孩》

　　估价待询

　　油彩 画布 60 7/8 x 26 吋 (154.8 x 66.1 公分)

　　1905年作

　　这幅《持花篮的女孩》正创作于玫瑰时期，主角是红磨坊的琳达，给很多知名艺术家当过模特。手中的花儿，暗示她脆弱的存在，作为一个流浪儿为生存而挣扎在蒙马特街上。年轻女孩在毕加索玫瑰时期的绘画中占有突出的地位，通常都获得了琳达启发，或者直接基于当地的模特。毕加索在1906年使用的素描本中，有一个年轻女孩的钢笔草图，穿着白色长裙，手捧一束鲜花。这幅画很可能是这幅作品最初的草图。在最终的作品中，她的篮子里装着红色的罂粟花，象征着面包和葡萄酒，象征着基督在圣餐圣礼上的身体和血液。这种青春期的成人仪式，从天真到经验，从青年到早期成熟——或者从更大的意义上来说，从神圣到世俗——构成了毕加索的玫瑰时期的一个重要主题。毕加索的新古典主义表现在朴素、简化的曲线上，用最少的造型和细节呈现出来，与更细致的现实的处理相比，他特别赋予了琳达独特的表情。

　　这幅作品又被称为女性版的《持烟斗的男孩》，那个男孩如同“邪恶的天使”，两人都来自街头，最终，琳达的命运也不得而知。

　　乔治·修拉 (1859-1891) 《格朗康海港》

　　油彩 画布 25 3/4 x 32 吋(65.4 x 81.2公分)

　　1885年夏作

　　在1885年初夏，修拉的系列作品成为新印象派运动的奠基之作，是早期现代主义绘画发展的决定性时刻之一，这件正是在那一年完成的六幅画中的一幅。在这幅画中，修拉的点彩充满了自信，在光影和色彩上都呈现了清晰的表达，展示了全新的绘画方式。描绘诺曼底海岸的一个小渔村里，一个小舰队的帆船向英吉利海峡驶去。修拉呈现这种试验性的点彩，虽然尚有待完善，但根据他的色彩分离和对比理论，将他的最新观点融入了创作实践中。

　　保罗·希涅克 (1863-1935) 《波尔垂克伯爵夫人岛 (作品编号191)》

　　油彩　画布

　　23 3/4 x 36 1/4 吋(60.3 x 92.1 公分)

　　1888年夏作

　　西涅克进一步完善了新印象主义的表达方式，1888年夏天，他在布列顿渔港的创作，找到了实践这种方式的最佳主题。这幅作品描绘的是著名的海滨度假胜地圣基-波特里欧的一部分。当时他正与未婚妻度假，这幅画是1888年的波尔垂克伯爵夫人岛海景系列最后一幅作品，用弗朗索瓦·卡辛(Francoise Cachin)的话说，“一种平衡和温柔，他可能再也没有达到过这种状态。”在这幅作品中，远处的中心点是露出地面的岩石，上面有一个要塞，并由一个狭窄的入海口与大陆相连。西涅克表现出一种沉思的感觉，似乎实现了永恒的宁静和无限的宇宙尺度。

　　雷诺阿 (1841-1919) 《镜中的加布里埃》

　　估价 USD 7,000,000 - USD 10,000,000

　　油彩 画布 31 7/8 x 25 1/2 吋(81.1 x 64.7公分)

　　约1910年作

　　在1907年至1911年之间，雷诺阿用一系列创作描绘他晚年的主要模特和缪斯——加布里埃尔。这幅作品中，她穿着半透明的白色衬衫，露出她丰满的身形。从文艺复兴开始出现女性在镜子前面，凝视着自己的形象，加入的观众的行列，把自己当作一个对象而产生独特的视觉快感。这幅作品中，加布里埃尔坐在一个小镜子梳妆台，慵懒地调整着她头发上的围巾。雷诺阿喜欢描绘女性梳妆，将其视为一种解放，而不是束缚。加布里埃尔的脸颊自然泛红，她的头发在柔软的卷曲，脱下围巾，长袍宽松而流畅，在室内华丽的装饰下，整个画面笼罩在一种令人眼花缭乱的温暖气氛中。

　　1951年，用5万美元买下雷诺阿的《镜中的加布里埃尔》，这件作品原本属于巴黎的伯恩海姆家族，曾在1939年展出，二战期间一直保存在博物馆中。买下这件作品后，大卫夫妇将其置于纽约家里的客厅，佩吉一位保守的亲戚对此还十分反感。到他们晚年，这件作品又移到了哈德逊松林大宅的壁炉架上。

　　克劳德·莫奈 (1840-1926) 《阳光下的圣拉扎尔火车站》

　　估价待询

　　油彩 画布 24 1/8 x 31 3/4 吋(61.3 x 80.7公分)

　　1877年作于巴黎

　　这是莫奈在巴黎圣拉扎尔(Gare Saint-Lazare)所完成的画作，它是巴黎七个火车站中最大、使用频率最高的一个。在过去的十年里，圣拉扎尔地区被扩建，以适应铁路交通的激增，导致周围的街道网络发生了彻底的重组。因此，火车站不仅是现代大都市的生动象征，而且是铁路系统的指数级增长的标志。铁路系统是国家变革和发展的主要推动者之一。莫奈选择这个题材，在他放弃当代生活的画作转向纯粹的风景之前，最有雄心的展示现代社会矛盾和复杂性的表达。

　　莫奈在平凡的时刻发现了现代性的诗意，描绘了火车缓慢穿梭于圣拉扎尔(Gare st . lazare)，带来了巨大的蒸汽和烟雾。在这幅画中，我们深陷于铁路的切割中，三名火车司机望着中间的隧道，一辆火车头即将出现。街道平面上的建筑物似乎是漂浮的，被非物化的，在水汽的体积上，延伸到画布上与云彩融合。莫奈从这些传统的景观中的蒸汽创造了一种庆祝的效果，混合了从玻璃屋顶流下来的光线，使建筑看起来几乎是失重的——这是现代工程的奇迹。与此相反，在外部场景中，城市的真正的中心和街道盘旋在我们之上，遥远而难以接近。现在的蒸汽似乎削弱了这一观点的合理性，这似乎又表明了一种批判的态度。

　　克劳德·莫奈 (1840-1926) 《坐在特鲁威维海滩上的卡米尔》

　　油彩 画布 18 1/8 x 15 吋(46.2 x 38.3公分)

　　约1870年至1871年作

　　描绘莫奈的妻子卡米尔在1870年夏天，坐在特鲁维尔海峡度假胜地的海滩上，颜料被置于几乎没有混合的笔触中，以传达阵阵海风的效果，产生风力推动的感觉。卡米尔紧紧抓住她的遮阳伞。莫奈用快速处理的方式，突出了卡米尔时髦的衣服和面部特征的最重要细节，脸庞部分被面纱遮住，以防止阳光和吹沙。金色营造出海滩的气氛，沙子也嵌入颜料中，使我们得以考察创作的过程。 “由此产生的图像，”乔治·沙克尔福德写道，“传达的光线和空气，甚至带有海边的气味”。

　　皮埃·博纳尔 (1867-1947) 《室内(波纳尔巴黎的公寓)》

　　估价待询

　　油彩 画布 49 5/8 x 44 7/8 吋(126 x 114公分)

　　1914年作

　　在这幅作品中，博纳尔描绘了他的爱人Marthe在餐桌上的场景，女主人的身影在阴影中，门框中遮挡了大半，脸完全隐藏着，红色条纹衣服与桌布的图案呼应。这对夫妇的宠物达克斯猎狗一直盯着她，但观者的视觉重点要在画面中游移一段时间，才被发觉人物的存在。这幅画的主角是阳光下的花束，在红色壁纸的背景下，阳光从右侧的玻璃窗打在花朵上，使得花束如同小烟花一样绽放。

　　这幅作品最早的收藏者是Georges Menier，他的家族拥有著名的巧克力制造企业Menier，第一次世界大战结束时，他成为莫迪利亚尼、马蒂斯和其他现代画家的重要藏家，他和妻子西蒙尼在1922年获得了这幅油画。佩吉和大卫在1960年从Galerie Durand-Ruel和Wildenstein购买了这幅画。“西奥多·卢梭是大都会博物馆的欧洲绘画策展人，这件作品在巴黎出售时，他认为我们可能对它感兴趣，”大卫·洛克菲勒回忆道。“他表示，如果我们能买下它，大都会博物馆将会非常高兴。”不过，最后洛克菲勒家族决定把这幅画留在家里，而不是把它送给博物馆。就挂在客厅的壁炉上，每当电话铃响的时候都能看到这件作品。

　　胡安·米罗 (1893-1983) 《壁画 I-II-III》

　　油彩 画布 23 3/4 x 98 3/8 吋(55.2 x 249.8公分)(每件)

　　1933年12月作

　　这三幅壁画是米罗专门为自己的巴黎经销商皮埃尔·勒布家中的育儿室画的。因此，米罗选择了他认为适合儿童世界的意象，在这些画板里绘制了幽灵般的人物，滑稽可笑的生物，还有一只大鸟。如同梦境，或者出现在孩子的游戏和幻想中。米洛将他的对象置于蓝色梦境的背景下，这些梦境中包含了自然形态的元素——彩虹、海浪、山、太阳、星星、新月和拟人的轮廓。最终跑向一个矩形的门户,深蓝色的夜转换成日光,象征着从梦的夜间领域进入世界的日常现实。

　　“米罗的绘画如同史前洞穴艺术。”艺术和考古学教授Sidra Stich解释说。个体的部分分散在空间中，而不需要考虑尺度、形状或定位的逻辑顺序。在某些地方，已经确立了数字之间的有意关系，并开始出现各种情况。但即使在这些情况下，也很难将创作对象清晰联系在一起。尽管叙事可能没有真正的统一，但一种强大的、协调的氛围占据了上风。这就是米洛试图捕捉的“宗教般的魔力”。一种无处不在、神秘的气氛。

美洲艺术晚拍的部分作品

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